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July 05, 2019

Monica Bonvicini at Belvedere 21



For the Belvedere 21 — originally the Austrian pavilion at the World’s Fair in Brussels in 1958—Monica Bonvicini has developed a site-specific and space-consuming installation "I CANNOT HIDE MY ANGER" that reacts radically to Karl Schwanzer’s architecture. As such, it reflects male-dominated power structures, which are expressed just as much in the constructed space as in art history, politics and language. With this work Bonvicini focuses on the relationship between architecture, gender roles, control mechanisms, and devices of power thru a multimedia approach, using drawing, sculpture, installation, video, and photography. Curated by Axel Köhne. 28 June 2019 to 27 October 2019.

Für das Belvedere 21 – ursprünglich der österreichische Pavillon auf der Weltausstellung 1958 in Brüssel – entwickelt Monica Bonvicini eine ortsspezifische und raumgreifende Installation, die radikal auf die Architektur Karl Schwanzers reagiert. Sie reflektiert damit männlich geprägte Machtstrukturen, die sich im gebauten Raum genauso ausdrücken wie in der Kunstgeschichte, der Politik und der Sprache. In dieser Arbeit rückt sie das Verhältnis von Architektur, Geschlechterrollen, Kontrollmechanismen und Machtdispositiven medienübergreifend mit Zeichnung, Skulptur, Installation, Video und Fotografie in den Mittelpunkt. Kuratiert von Axel Köhne. 28. Juni 2019 bis 27. Oktober 2019.

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July 04, 2019

Nora Schultz, Rosalind Nashashibi, Fiona Connor at SECESSION



Nora Schultz' installation "would you say this is the day?" at the main hall of the Secession comprises several individual elements. These play with the specific architectural and local conditions, and literally inscribe themselves in the site. Three sculptures made of aluminium wire placed around the space and squeezed in between floor and ceiling (Atlas / The Day 1, 2 and 3). Their open shape forms abstract spatial drawings, which allow a view to the space above the glass ceiling that is usually concealed. Two new video works – Whale Watch and Simulated Whale Watch (both 2019) – are shown in the side wings. While the former documents a boat trip for the purpose of spotting whales on the eastern coast of the USA around Boston, including a few distortions, Simulated Whale Watch was filmed with a GoPro camera in the artist’s studio and based on a script. The sound installation The Sound will be Untied (2019) creates an invisible link that frames the space and creates a (performative) connection between the installation and the outside space. It is based on recordings of the constant hum of the air conditioning system in the artist’s studio in Boston. Rosalind Nashashibi, DEEP REDDER: Nashashibi presents paintings and a new film in two parts, the fruit of a sustained, process-based, and ongoing meditation on social norms of family life. The paintings in the exhibition are even more direct equivalents of her own experiences of being in the world, “of standing in two states, with feet and ankles in water and legs dry, of a lamb craning its neck upwards, or a calf with its face hidden from our view and yet lit my moonlight” (Rosalind Nashashibi). Fiona Connor, #8, Closed for Installation, Sequence of Events: For her exhibition at the Secession Connor has developed a body of work that comprises 23 bronze objects that resemble tools commonly used in the installation process of an exhibition: a measuring tape, ruler, pencil, dolly, etc. The sculptures work with the rules of a certain period of labour and maintenance, replicating tools that look very similar all around the world and are usually out of sight at the opening of the exhibition. June 27th to Sep 1st, 2019.

Die Installation von Nora Schultz "would you say this is the day?" im Hauptraum der Secession besteht aus mehreren individuellen Elementen, die mit den spezifischen architektonischen und örtlichen Gegebenheiten des Ausstellungsraums spielen und befindet sich auf einem Weg zwischen Konzept, Simulation und Verwirklichung. Drei im Raum verteilte vom Boden bis zur Decke reichende Skulpturen aus Aluminiumdraht (Atlas / The Day 1, 2 und 3). Ihre offene Form lässt abstrakte räumliche Zeichnungen entstehen, die dort, wo sie stehen, den Blick in die sonst verborgene Ebene über der Glasdecke eröffnen. Zwei neue Videoarbeiten – Whale Watch und Simulated Whale Watch (beide 2019) – in den Seitenschiffen zu sehen. Während erstere einen Bootsausflug zum Zwecke des Sichtens von Walen an der Ostküste der USA vor Boston (mit einigen Verfremdungen) dokumentiert, wurde Simulated Whale Watch im Atelier der Künstlerin mit einer GoPro-Kamera nach einem Drehbuch gefilmt. Rosalind Nashashibi, DEEP REDDER: Rosalind Nashashibi zeigt Malerei und einen neuen Film in zwei Teilen, der das Ergebnis einer längeren, prozessualen und noch nicht abgeschlossenen Reflexion über gesellschaftliche Normen familiären Zusammenlebens ist. Die parallel zu ihren Filmen entstehende Malerei, die bei aller Abstraktion und formaler Reduktion dem Gegenständlichen verhaftet bleibt, öffnet der Künstlerin die Möglichkeit zu unmittelbarem Ausdruck und bietet ein Format, das Reflexionen, Gefühlen und Stimmungen aber auch Spontanität Platz lässt. Fiona Connor, #8, Closed for Installation, Sequence of Events: Für ihre Ausstellung in der Secession Connor einen Werkkomplex von 23 Bronzeobjekten entwickelt. Dargestellt ist das Werkzeug, das für gewöhnlich beim Aufbau einer Ausstellung zum Einsatz kommt, wie Maßband, Lineal, Bleistift, Montagewagen usw. Die Skulpturen verhandeln die Prinzipien von Arbeit und Instandhaltung, indem sie Werkzeuge reproduzieren, die auf der ganzen Welt ähnlich aussehen, aber zum Zeitpunkt der Ausstellungseröffnung normalerweise aus dem Blickfeld verschwunden sind. 27. Juni – 1. September 2019.

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April 12, 2019

Peter Doig, Fernanda Gomes, Martine Syms at Secession



In the Mainhall the Secession shows new Works by Peter Doig, who paints representational pictures as though they were abstractions. His spellbinding works combine planar forms and a palette that is as bold as it is subtle with vivid painterly gestures. His distinctive visual idiom interweaves personal recollections and found imagery with references to art history and pop culture in compositions that unfold into complex narratives. With the new paintings on view at the Secession, Doig continues to explore recurring motifs that have appeared throughout his recent work, drawing from the physical and cultural landscape that surrounds him in Trinidad, where these works were made.

Fernanda Gomes uses ordinary and affordable materials to make objects and bricolages (always untitled) whose formal idiom recalls Arte Povera, minimalism, and Brazilian Constructivism. Her exhibitions often consist of an abundance of objects scattered across the floor and walls, gathered in clusters or rhythmically organized arrangements. Leftovers and lost, disregarded, or discarded items as well as commonplace objects are arranged in the space, assembled in fragile and precarious constructions or consolidated and corded for more compact creations. The only paint the artist uses is white, which she cherishes as the “receptive colour,” revealing even the subtlest shifts in the tonality and intensity of the light.

In her installations Martine Syms examines representations of blackness and its relationship to vernacular, feminist thought, and radical traditions. Her research-based work draws on her extensive studies of theoretical models concerned with performed or imposed identities, the power of the gesture, and embedded assumptions around gender and racial inequalities. For the Secession, Syms has created an immersive installation comprised of a sculptural intervention, a sound installation, and a photographic collage, with each element referencing the Detroit-based Simpson’s Record Shop. Expanding on Syms’s interest in black-owned businesses as sites of interdependence and self-determination, the new work highlights the Simpson’s Record Shop as one such business. April 12 – June 16, 2019

Die Secession zeigt im Hautraum neue Werke von Peter Doig, der gegenständliche Bilder malt, als wären sie abstrakt. Seine Kompositionen bestechen durch flächige Formen, eine ebenso intensive wie nuancierte Farbigkeit und die Präsenz des malerischen Duktus. In seiner Bildsprache verwebt er Erinnerungen an persönliche Erlebnisse und gefundene Bildquellen mit Referenzen aus der Kunstgeschichte und Popkultur zu vielschichtigen Erzählungen. In den neuen in der Secession gezeigten Gemälden untersucht und variiert der Künstler Motive aus seinem jüngeren Werk, wobei er sich durch die reale und kulturelle Landschaft, die ihn in Trinidad umgibt, inspirieren lässt.

Fernanda Gomes kreiert mit profanen, günstigen Materialien Objekte und Bricolagen (stets ohne Titel), die formal an die Arte Povera, den Minimalismus und Brasilianischen Konstruktivismus anknüpfen. In ihren Ausstellungen sind oft eine Fülle an Objekten über Boden und Wände verteilt, räumlich zusammengefasst oder rhythmisch organisiert. Übrig Gelassenes, Vergessenes, Unbeachtetes ebenso wie Weggeworfenes oder Alltagsgegenstände werden in situ arrangiert, zu fragil-prekären Strukturen zusammengestellt oder gebündelt und geschnürt, um kompaktere Gebilde zu erzeugen.

Martine Syms untersucht in ihren Videos, Installationen und Performances die vielfältige Repräsentation Schwarzer im Verhältnis zu Populärkultur, feministischen Ansätzen und radikalen Traditionen. Ihre Arbeitsweise basiert auf Recherchen und bezieht theoretische Modelle zu performativen wie den Individuen aufgezwungenen Identitäten, zur Macht der Geste und zu unhinterfragten Annahmen rund um Ungleichheiten der Geschlechter und Rassen ein. Die Rauminstallation, die Syms für die Secession konzipiert hat, setzt sich aus einer skulpturalen Intervention, einer Soundinstallation und einer Fotocollage zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise auf Simpson’s Record Shop in Detroit beziehen. Syms’ neueste Arbeit nimmt das Lebenswerk von Dorothy Simpson als Ausgangspunkt, geleitet von ihrem eigenen Interesse an von Schwarzen geführten Unternehmen, in deren Geschichte sich wechselseitige Abhängigkeiten, aber auch das Streben nach Selbstbestimmung widerspiegeln. 12. April – 16. Juni 2019.


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March 19, 2019

Mark Rothko at Kunsthistorisches Museum Vienna



The Marc Rothko exhibition at the Kunsthistorisches Museum Vienna presents an overview of Rothko’s artistic career from the early figurative works (theartVIEw Mark Rothko Part I) of the 1930s to those of the 1940s, and the classical abstract paintings (theartVIEw Mark Rothko Part II) of the 1950s and 1960s that made him famous.

Die Mark Rothko Ausstellung im Kunsthistorischen Museums Wien präsentiert einen Überblick über Rothkos Karriere: von den frühen figurativen Werken der 1930er Jahre (theartVIEw Mark Rothko Part I), über die Arbeiten der 1940er Jahre bis zur den klassisch abstrakten Werken (theartVIEw Mark Rothko Part II) der 1950er und 1960er Jahre, mit denen er schließlich berühmt wurde.



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