Nairy Baghramian, Sarah Rapson and Nora Turato at SECESSON

In her solo exhibition in the SECESSON’s main hall, Nairy Baghramian presents an installation that responds to the architectural specifics of the setting, featuring sculptures from her series Dwindlers and Breath Holding Spells—from which the exhibition also takes its title—as well as the new wall piece Deep Furrow. For Sarah Rapson’s exhibition Ode To Psyche in the basement galleries of the SECESSON, her new works of art has been shipped from England and there may also be film and perhaps some works on paper in this show. There is no subtext to art, it’s not like a dream. It’s a session. For her exhibition at the SECESSON, Nora Turato has produced a new sound installation which grew from her research into the politics of accents and Western media. ri-mEm-buhr THuh mUHn-ee can be described as a sound study of the artist’s growing vocal arsenal. Through her ongoing engagement with the spoken word, Turato has developed an internal repository of sorts – a cache of accents, dialects, and idiolects, between which she can rapidly alternate and echo in seance-like offerings. November 20, 2021 – January 23, 2022

In ihrer Einzelausstellung im Hauptraum der SECESSON präsentiert Nairy Baghramian eine Installation, die mit Skulpturen aus ihren Werkserien Dwindlers und Breath Holding Spells, welche der Ausstellung auch den Titel leiht, sowie der neuen Wandarbeit Deep Furrow auf die spezifischen räumlichen Gegebenheiten reagiert. Für Sarah Rapsons Ausstellung Ode To Psyche in den Räumen im Untergeschoss der SECESSON wurden neue Arbeiten aus England angeliefert. Kann sein, dass es auch Filme und vielleicht ein paar Arbeiten auf Papier zu sehen gibt. Kunst hat keinen Subtext, sie ist nicht wie ein Traum. Sie ist eine Séance. Für ihre Ausstellung in der SECESSON hat Turato eine neue Klanginstallation geschaffen, die auf ihren Untersuchungen zur Politik von Akzenten und den westlichen Medien beruht. ri-mEm-buhr THuh mUHn-ee lässt sich als klangliche Studie des wachsenden stimmlichen Arsenals der Künstlerin auffassen. In ihrer langjährigen Auseinandersetzung mit dem gesprochenen Wort hat Turato eine Art inneres Archiv aufgebaut – ein Repertoire von Akzenten, Dialekten und Idiolekten, die sie in einer Séance der Stimmen mit verblüffender Gewandtheit einander abwechseln und ineinander widerklingen lässt. 20. November 2021 – 23. Januar 2022.

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Maria Hassabi: HERE at SECESSION

Vienna Secession and Wiener Festwochen present a newly commissioned work by artist and choreographer Maria Hassabi: HERE. The live installation invites visitors to share time and presence with six dancers in the Secession’s iconic exhibition hall. Over several weeks they will navigate a choreography that unfolds at a decelerated pace within a sculptural environment. Embedded in a sound composition, a female voice counting the seconds from 1 to 14,399 fades in and out, underlining the eternal succession of time. Immersed in this continuum, the dancers’ movements create a situation of everchanging presence, one that demonstrates the slippery nature of “here-ness.” May 14 – June 20, 2021.

Die Secession Wien und die Wiener Festwochen präsentieren eine Auftragsarbeit der Künstlerin und Choreografin Maria Hassabi. Ihre Live-Installation HERE lädt Besucher*innen ein, während der Öffnungszeiten den Ausstellungs­raum mit sechs Tänzer*innen zu teilen. Über mehrere Wochen hinweg folgen diese einer Choreografie, die sich in gedehnt langsamem Tempo in der skulpturalen Installation entfaltet. Eingebettet in eine Soundkomposition taucht eine weibliche Stimme auf und verebbt wieder; sie zählt von 1 bis 14.399 die Sekunden und unterstreicht so das stetige Fortschreiten der Zeit. Innerhalb dieses Kontinuums zeichnen die entschleunigten Bewegungen der Tänzer*innen ein Szenario sich beständig verändernder Gegenwart, das auf die schwer greifbare Natur des „Hier“ verweist. 14.05. - 20.06.2021.

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Dewar & Gicquel and Yuji Agematsu at Secession

At the Secession, the artist duo Daniel Dewar and Grégory Gicquel present sixteen works of oakwood sculptures. They are hybrids in several respects: between sculpture and furniture, between autonomous work of art and object of utility, between inanimate object and animate creature—human, animal, and plant. The massive oakwood objects are studded with intricately carved and meticulously executed grotesque figurative elements such as arms, noses, gourds, courgettes, and oxen and pig heads that seem to grow out of the chests, cabinets, and dressers. These works are complemented by series of handmade ceramic sculptures that emulate off-the-shelf sanitary ware.

Yuji Agematsu presents his day-to-day collection of urban detritus finds turned into miniature sculptural formations from the entire 2020 calendar year. An urban flaneur, Agematsu has taken daily walks through the streets of New York ever since he moved there from Japan in the early 1980s. On this daily routine, which has now been part of his artistic practice for more than a quarter-century, he picks up and scrutinizes litter that attracts his attention—bits of paper, gum, scraps of plastic bags or wrappers, a feather, in short: otherwise overlooked evidence of the hustle and bustle of city life. Back in his studio, the found discarded materials undergo a process of composing, securing, organizing and cataloguing: the artist waits and reworks a chosen discovery before fixing it with resin—one micro-sculpture a day—and in doing so accumulates a continually growing archive of miniature readymade still lifes that is structured by day, month, year. Alongside diary entry notebooks, his 2020 zips offer a fresh and decidedly unique review of a most remarkable year. March 26 – June 20, 2021.

Das Künstlerduo Daniel Dewar und Grégory Gicquel zeigen in der Secession 16 Werke aus Eichenholz, die in mehrfacher Hinsicht Hybride sind: zwischen Skulptur und Möbel, zwischen autonomem Kunstwerk und Gebrauchsgegenstand, zwischen unbelebtem Objekt und beseeltem Wesen wie Mensch, Tier und Pflanze. Die massiv gearbeiteten Eichenskulpturen sind mit grotesk erscheinenden, fein geschnitzten und ausgearbeiteten figurativen Elementen wie Armen, Nasen, Kürbissen, Zucchini, Ochsen- und Schweineköpfen übersäht, die aus den Kästen, Schränken und Kommoden herauszuwachsen scheinen. Gegenübergestellt werden sie einer Serie von handgefertigten Keramikskulpturen, die handelsübliche Sanitärkeramiken nachahmen.

Yuji Agematsus zeigt skulpturale Miniatur-Formationen des Jahres 2020, aus täglich gesammelten Fundstücken an städtischem Abfall kreiert. Der Stadtflaneur Agematsu unternimmt tägliche Spaziergänge durch die Straßen New Yorks. Bei dieser Routine, die bereits seit mehr als einem Vierteljahrhundert Teil seiner künstlerischen Praxis ist, sammelt und mustert er Weggeworfenes und Verlorenes, das seinen Blick auf sich zieht – Papierfetzen, Kaugummi, Teile von Plastiksackerln und Verpackungen, eine Feder, kurzum: sonst unbeachtet gebliebene Belege des städtischen Treibens. Im Atelier werden die entdeckten, achtlos weggeworfene Materialien einem Prozess des Selektierens, Komponierens, Sicherns, Organisierens und des Katalogisierens unterzogen. Der Künstler wartet und bearbeitet die ausgewählten Fundstücke, ehe er die Mikro-Skulpturen, für jeden Tag eine, mit Harz fixiert. Zusammen mit seinen Notizbüchern mit Tagebucheinträgen bieten seine zips 2020 einen frischen und zweifelsohne einzigartigen Rückblick auf ein außergewöhnliches Jahr. 26.03. – 20.06.2021.

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theartVIEw – Edi Hila, Emily Wardill at SECESSION

In the exhibition The Sound of the Tuba, SECESSION presents around twenty paintings from different series Edi Hila has worked on in recent years as well as a small selection from his output of the late 1990s. The presentation traces a historical arc, connecting today’s global migrant and refugee flows to the major wave of emigration after the fall of the Albanian regime and politically motivated deportations in the early years of Albanian communism. In the basement Emily Wardill debuts her most recent film project, Night for Day (2020), an installation of film and sculptures that weave into one another, and the film I gave my love a cherry that had no stone (2016). September 18 – November 8, 2020.

Die SECESSION präsentiert im Hauptraum in der Ausstellung Der Klang der Tuba rund 20 Gemälde von Edi Hila aus unterschiedlichen Serien der letzten Jahre sowie einige Werke, die Ende der 1990er-Jahre entstanden. Sie spannen einen zeitlichen Bogen, der globale Migrations- und Fluchtbewegungen der Gegenwart, die große Auswanderungswelle nach dem Regimewechsel und politisch motivierte Deportationen in der Frühphase des Kommunismus in Albanien miteinander verknüpft. Im Basement der Secession zeigt Emily Wardill erstmals ihr neustes Filmprojekt Night for Day (2020), eine Installation, für die sie den Film und eine Reihe von Skulpturen miteinander verwebt, sowie den Film I gave my love a cherry that had no stone (2016). 18. September – 8. November 2020.

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Verena Dengler and Suellen Rocca at Secession

In the Secession’s main gallery, Verena Dengler builds a “landscape” consisting of a pond and a surrounding overgrown urban wasteland or “Gstettn” that serves as the setting for other works and elements. The grand piano in the exhibition stands for quality, the proud embrace of tradition, and cultural values, yet it is also an indicator of the challenges of a global market. The mock trade fair stands and booths in the exhibition, which Dengler built out of modular wall system components, make for a deliberately heavy-handed allusion to the commercialization of art and its commodity status. In fair booth H88 on the right, Galerie Meyerheim presents blue-chip art; across the room, the same enterprise, now styling itself galerie.meyerheim projects_, showcases the work of hip young artists. The curtains between the booths partition off storage rooms holding art that has been brought to the scene but is not on display. The name “Meyerheim” for the gallery is taken from the “Meyerheim-Poem” by Theodor Fontane; it is an anti-Semitic code designating a Jewish capitalist. “The Gallery Owner and the Beautiful Anti-Capitalist” points to a literary project set in the art world in which the artist avails herself of the stylistic conventions of the dime novel or penny dreadful. Over the years, Dengler’s creative practice has in-creasingly built on networks and cooperative structures, and so this exhibition is the fruit of diverse collaborative relationships, including with Barbara Urbanic; Itai Margula (exhibition architecture); Astrid Meyerfeld, Leon Kahane, Marlene Engel (the “art-world dime novel”); Katarina S childgen (publication); the band gebenedeit (Lydia Haider, Josua Oberlerchner, Johannes Oberhuber) and Steffanie Ergen (opening reception live acts); MOB Industries (sales performance during the opening reception); and many more.
With Suellen Rocca’s installation in the Grafisches Kabinett, the Secession is pleased and grateful to present the last exhibition the artist conceived herself, which has been realized posthumously with great respect for her work. New paintings and drawings are presented together with paintings from recent years in a setting composed of a folding screen and a simple bed that cites Rocca’s pictorial vocabulary. Presenting the actual objects next to their figurative representations blurs the lines between exhibition and pictorial space and supports the sensation of virtually being able to step into the pictures’ landscapes.

Im Hauptraum der Secession lässt Verena Denglers eine „Landschaft“ aus einem Teich und einer ihn umgebenden, wildwuchernden Brachfläche oder „Gstettn“, in der die BesucherInnen auf weitere Werke und Elemente treffen, entstehen. Der Flügel in der Ausstellung repräsentiert Qualität, Traditionsbewusstsein und kulturelle Werte und ist gleichzeitig ein Indiz für die Herausforderungen eines globalen Marktes. Auf der rechten Seite findet sich der Messestand H88 der Galerie Meyerheim mit etablierter Blue-Chip-Kunst, während die Galerie auf der gegenüberliegenden Seite am Stand A666 als galerie.meyerheim projects_ mit junger, hipper Kunst vertreten ist. Der Galeriename „Meyerheim“ ist dem „Meyerheim-Gedicht“ von Theodor Fontane entliehen und eine antisemitische Chiffre für einen jüdischen Kapitalisten. „Die Galeristin und der schöne Antikapitalist“ verweist auf ein literarisches Projekt der Künstlerin, das in der Kunstwelt angesiedelt ist und sich stilistisch auf die Gattung des „Schund- oder Groschenromans“ bezieht. Via Skype hat sie es mit der deutschen Theater- und Filmschauspielerin Astrid Meyerfeld und dem Künstler Leon Kahane auszugsweise „verfilmt“ und auf ihrem Instagram-Account veröffentlicht. Denglers künstlerische Arbeit baut über die Jahre zunehmend auf Netzwerken und kollaborativen Strukturen auf, und so ist diese Ausstellung das Ergebnis vielfältiger Zusammenarbeiten, unter anderem mit Barbara Urbanic; Itai Margula (Ausstellungsarchitektur); Astrid Meyerfeld, Leon Kahane, Marlene Engel („Kunstwelt-Groschenroman“); Katarina Schildgen (Publikation); der Band gebenedeit (Lydia Haider, Josua Oberlerchner, Johannes Oberhuber) und Steffanie Ergen (Live Acts bei der Eröffnung), MOB Industries (Verkaufsperformance bei der Eröffnung) u.v.m.
Die Installation von Suellen Rocca im Grafischen Kabinett ist die letzte von der Künstlerin noch zu Lebzeiten konzipierte Ausstellung, die mit großem Respekt vor ihrem Werk posthum umgesetzt wurde. Neue Gemälde und Zeichnungen sind zusammen mit Bildern der vergangenen Dekade in einem installativen Setting zu sehen. Es besteht aus einem simplen Bett und einem Paravent und zitiert das künstlerische Vokabular Roccas. Die Präsentation der realen Gegenstände zusammen mit ihren bildlichen Darstellungen lässt die Grenzen zwischen Ausstellungsraum und Bildraum verschwimmen und fördert die Wahrnehmung, geradezu physisch in eine der Bildlandschaften eintreten zu können.

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John Akomfrah and Michael E. Smith at secession

At the Secession, John Akomfrah presents three film installations whose themes complement one another: the three-channel projection Vertigo Sea (2015) and the two single-channel pieces Peripeteia (2012) and Mnemosyne (2010). A recurrent motif in his art that connects all three works on film is water, which acts as a reservoir of recollections; in the immensity of the ocean, it also marks the scene of the colonial conquests and the transatlantic slave trade as well as contemporary migrant flows. Michael E. Smith makes sculptures, installations, object collages, and videos; he sometimes also creates interactive sound installations, conceiving of the gallery space he is working in as an active partner in the dialogical process of producing an exhibition. His installations open up a space of experience that addresses itself to much more than just our sense of vision. Integrating immaterial components such as light, sound, and habitual procedures, he seeks to sharpen all our perceptual faculties. 21.02. – 19.04.2020.

In der Secession zeigt John Akomfrah drei Filminstallationen, die sich thematisch ergänzen: Die Dreikanal-Projektion Vertigo Sea (2015) sowie die zwei einfachen Projektionen Peripeteia (2012) und Mnemosyne (2010). Ein wiederkehrendes und alle drei Filmarbeiten verbindendendes Motiv ist dabei das Wasser. Es fungiert als Gedächtnisspeicher und bezeichnet in seiner unermesslichen Form des Ozeans jenen Ort, an dem die kolonialen Eroberungen und der transatlantische Sklavenhandel ebenso Form annahmen wie heutige Migrationsbewegungen. Michael E. Smith produziert Skulpturen, Installationen, Objekt-Collagen und Videos; er setzt zum Teil interaktive Klanginstallationen ein und versteht den jeweiligen Ausstellungsraum als aktiven Dialogpartner bei der Entstehung der Ausstellung. Seine Installationen eröffnen einen Erfahrungsraum, der weit mehr als nur unseren Sehsinn anspricht. Er bezieht immaterielle Komponenten wie Licht, Geräusche und gewohnheitsmäßige Abläufe ein und zielt auf die Schärfung der Wahrnehmung insgesamt. 21.02. – 19.04.2020.

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Tillman Kaiser, Alexandra Bircken and Korakrit Arunanondchai at Secession

In his exhibition Im Dom in the Secession’s main gallery, Tillman Kaiser presents mostly new large-format pictures and sculptures. As the artist sees it, a church or cathedral is not a functional structure; synthesizing diverse arts—architecture, sculpture, and painting—it possesses a beauty that is an end in itself. With a nod to the Kantian idea of disinterested pleasure, Kaiser argues that all art—his, certainly—aspires to beauty in this sense. Made in the studio, his work does not depend on the interaction with a specific exhibition site.
The human body and the various shells that, as skin and attire, define its relation to the world are key motifs in Alexandra Bircken’s work. For her exhibition Unruhe [Unrest], Bircken has developed numerous new works that interweave themes such as gender, body and machine, power and vulnerability.
The artist and filmmaker Korakrit Arunanondchai works on one large body of work that focuses on the idea of a “living archive.” He is interested in relationships that pass through time and mutate with bodies of people, something that parallels the development of recorded history but sidesteps its linearity and single point of perspective in storytelling. As its recurring central character, his ongoing video series together with history in a room filled with people with funny names (2012—) features a fictional painter who paints on denim using it as a connecting fabric amongst different worlds and contexts. Denim is used as a foundation, both as ground for pictures that result from performative body painting actions and as an underlying narrative in the videos whose protagonists are dressed in this cloth. These are, alongside long-time collaborators and friends, the artist’s family members – most notably his grandparents. Sep 13th – Nov 10th, 2019.

In seiner Ausstellung Im Dom im Hauptraum der Secession zeigt Tillman Kaiser großteils neue Bilder und Skulpturen. Eine Kirche oder Kathedrale erfüllt in den Augen des Künstlers keine Funktion, sie ist ein Gesamtkunst­werk aus Architektur, Bildhauerei und Malerei und ihre Schönheit ist Selbstzweck – etwas, das Kaiser für (seine) Kunst auch beansprucht und das an die Kant’sche Idee vom interesselosen Wohlgefallen erinnert. Seine Kunst entsteht im Atelier und bedarf keiner Auseinandersetzung mit einem spezifischen Ort.
Leitmotive im Werk von Alexandra Bircken sind der menschliche Körper und seine verschiedenen Hüllen, die als Haut und als Bekleidung seinen Bezug zur Welt definieren. Für ihre Ausstellung Unruhe hat Bircken zahlreiche neue Arbeiten entwickelt, die Themen wie Geschlecht, Körper und Maschine, Macht und Verletzlichkeit miteinander verweben.
Der Künstler und Filmemacher Korakrit Arunanondchai richtet in einem einzigen umfangreichen Werkkomplex das Augenmerk auf die Idee eines „lebenden Archivs“. Sein Interesse gilt dabei Beziehungen, die lange Zeit fortdauern und sich mit den Menschen und ihren Körpern verändern. Diese weisen eine Parallele zur Entwicklung der Geschichtsschreibung auf ohne jedoch an deren Linearität und zentraler Erzählperspektive festzuhalten. Die Hauptfigur seiner fortlaufenden Videoreihe with history in a room filled with people with funny names (2012 – ) ist ein erfundener Maler, der stets Denim als Malgrund verwendet und damit ein Gewebe, das unterschiedliche Welten und Kontexte verbindet: Denim ist ein Material, das aus dem Westen kommt, als Stoff der Arbeiterklasse populär wurde und schließlich als eine Art Globalisierungsmaschine die Welt eroberte. Die DarstellerInnen in seinen Filmen sind langjährige FreundInnen, KollegInnen sowie Familienmitglieder des Künstlers, insbesondere seine Großeltern. 13.09. – 10. 11.2019.

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Nora Schultz, Rosalind Nashashibi, Fiona Connor at SECESSION

Nora Schultz' installation "would you say this is the day?" at the main hall of the Secession comprises several individual elements. These play with the specific architectural and local conditions, and literally inscribe themselves in the site. Three sculptures made of aluminium wire placed around the space and squeezed in between floor and ceiling (Atlas / The Day 1, 2 and 3). Their open shape forms abstract spatial drawings, which allow a view to the space above the glass ceiling that is usually concealed. Two new video works – Whale Watch and Simulated Whale Watch (both 2019) – are shown in the side wings. While the former documents a boat trip for the purpose of spotting whales on the eastern coast of the USA around Boston, including a few distortions, Simulated Whale Watch was filmed with a GoPro camera in the artist’s studio and based on a script. The sound installation The Sound will be Untied (2019) creates an invisible link that frames the space and creates a (performative) connection between the installation and the outside space. It is based on recordings of the constant hum of the air conditioning system in the artist’s studio in Boston. Rosalind Nashashibi, DEEP REDDER: Nashashibi presents paintings and a new film in two parts, the fruit of a sustained, process-based, and ongoing meditation on social norms of family life. The paintings in the exhibition are even more direct equivalents of her own experiences of being in the world, “of standing in two states, with feet and ankles in water and legs dry, of a lamb craning its neck upwards, or a calf with its face hidden from our view and yet lit my moonlight” (Rosalind Nashashibi). Fiona Connor, #8, Closed for Installation, Sequence of Events: For her exhibition at the Secession Connor has developed a body of work that comprises 23 bronze objects that resemble tools commonly used in the installation process of an exhibition: a measuring tape, ruler, pencil, dolly, etc. The sculptures work with the rules of a certain period of labour and maintenance, replicating tools that look very similar all around the world and are usually out of sight at the opening of the exhibition. June 27th to Sep 1st, 2019.

Die Installation von Nora Schultz "would you say this is the day?" im Hauptraum der Secession besteht aus mehreren individuellen Elementen, die mit den spezifischen architektonischen und örtlichen Gegebenheiten des Ausstellungsraums spielen und befindet sich auf einem Weg zwischen Konzept, Simulation und Verwirklichung. Drei im Raum verteilte vom Boden bis zur Decke reichende Skulpturen aus Aluminiumdraht (Atlas / The Day 1, 2 und 3). Ihre offene Form lässt abstrakte räumliche Zeichnungen entstehen, die dort, wo sie stehen, den Blick in die sonst verborgene Ebene über der Glasdecke eröffnen. Zwei neue Videoarbeiten – Whale Watch und Simulated Whale Watch (beide 2019) – in den Seitenschiffen zu sehen. Während erstere einen Bootsausflug zum Zwecke des Sichtens von Walen an der Ostküste der USA vor Boston (mit einigen Verfremdungen) dokumentiert, wurde Simulated Whale Watch im Atelier der Künstlerin mit einer GoPro-Kamera nach einem Drehbuch gefilmt. Rosalind Nashashibi, DEEP REDDER: Rosalind Nashashibi zeigt Malerei und einen neuen Film in zwei Teilen, der das Ergebnis einer längeren, prozessualen und noch nicht abgeschlossenen Reflexion über gesellschaftliche Normen familiären Zusammenlebens ist. Die parallel zu ihren Filmen entstehende Malerei, die bei aller Abstraktion und formaler Reduktion dem Gegenständlichen verhaftet bleibt, öffnet der Künstlerin die Möglichkeit zu unmittelbarem Ausdruck und bietet ein Format, das Reflexionen, Gefühlen und Stimmungen aber auch Spontanität Platz lässt. Fiona Connor, #8, Closed for Installation, Sequence of Events: Für ihre Ausstellung in der Secession Connor einen Werkkomplex von 23 Bronzeobjekten entwickelt. Dargestellt ist das Werkzeug, das für gewöhnlich beim Aufbau einer Ausstellung zum Einsatz kommt, wie Maßband, Lineal, Bleistift, Montagewagen usw. Die Skulpturen verhandeln die Prinzipien von Arbeit und Instandhaltung, indem sie Werkzeuge reproduzieren, die auf der ganzen Welt ähnlich aussehen, aber zum Zeitpunkt der Ausstellungseröffnung normalerweise aus dem Blickfeld verschwunden sind. 27. Juni – 1. September 2019.

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Peter Doig, Fernanda Gomes, Martine Syms at Secession

In the Mainhall the Secession shows new Works by Peter Doig, who paints representational pictures as though they were abstractions. His spellbinding works combine planar forms and a palette that is as bold as it is subtle with vivid painterly gestures. His distinctive visual idiom interweaves personal recollections and found imagery with references to art history and pop culture in compositions that unfold into complex narratives. With the new paintings on view at the Secession, Doig continues to explore recurring motifs that have appeared throughout his recent work, drawing from the physical and cultural landscape that surrounds him in Trinidad, where these works were made.

Fernanda Gomes uses ordinary and affordable materials to make objects and bricolages (always untitled) whose formal idiom recalls Arte Povera, minimalism, and Brazilian Constructivism. Her exhibitions often consist of an abundance of objects scattered across the floor and walls, gathered in clusters or rhythmically organized arrangements. Leftovers and lost, disregarded, or discarded items as well as commonplace objects are arranged in the space, assembled in fragile and precarious constructions or consolidated and corded for more compact creations. The only paint the artist uses is white, which she cherishes as the “receptive colour,” revealing even the subtlest shifts in the tonality and intensity of the light.

In her installations Martine Syms examines representations of blackness and its relationship to vernacular, feminist thought, and radical traditions. Her research-based work draws on her extensive studies of theoretical models concerned with performed or imposed identities, the power of the gesture, and embedded assumptions around gender and racial inequalities. For the Secession, Syms has created an immersive installation comprised of a sculptural intervention, a sound installation, and a photographic collage, with each element referencing the Detroit-based Simpson’s Record Shop. Expanding on Syms’s interest in black-owned businesses as sites of interdependence and self-determination, the new work highlights the Simpson’s Record Shop as one such business. April 12 – June 16, 2019

Die Secession zeigt im Hautraum neue Werke von Peter Doig, der gegenständliche Bilder malt, als wären sie abstrakt. Seine Kompositionen bestechen durch flächige Formen, eine ebenso intensive wie nuancierte Farbigkeit und die Präsenz des malerischen Duktus. In seiner Bildsprache verwebt er Erinnerungen an persönliche Erlebnisse und gefundene Bildquellen mit Referenzen aus der Kunstgeschichte und Popkultur zu vielschichtigen Erzählungen. In den neuen in der Secession gezeigten Gemälden untersucht und variiert der Künstler Motive aus seinem jüngeren Werk, wobei er sich durch die reale und kulturelle Landschaft, die ihn in Trinidad umgibt, inspirieren lässt.

Fernanda Gomes kreiert mit profanen, günstigen Materialien Objekte und Bricolagen (stets ohne Titel), die formal an die Arte Povera, den Minimalismus und Brasilianischen Konstruktivismus anknüpfen. In ihren Ausstellungen sind oft eine Fülle an Objekten über Boden und Wände verteilt, räumlich zusammengefasst oder rhythmisch organisiert. Übrig Gelassenes, Vergessenes, Unbeachtetes ebenso wie Weggeworfenes oder Alltagsgegenstände werden in situ arrangiert, zu fragil-prekären Strukturen zusammengestellt oder gebündelt und geschnürt, um kompaktere Gebilde zu erzeugen.

Martine Syms untersucht in ihren Videos, Installationen und Performances die vielfältige Repräsentation Schwarzer im Verhältnis zu Populärkultur, feministischen Ansätzen und radikalen Traditionen. Ihre Arbeitsweise basiert auf Recherchen und bezieht theoretische Modelle zu performativen wie den Individuen aufgezwungenen Identitäten, zur Macht der Geste und zu unhinterfragten Annahmen rund um Ungleichheiten der Geschlechter und Rassen ein. Die Rauminstallation, die Syms für die Secession konzipiert hat, setzt sich aus einer skulpturalen Intervention, einer Soundinstallation und einer Fotocollage zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise auf Simpson’s Record Shop in Detroit beziehen. Syms’ neueste Arbeit nimmt das Lebenswerk von Dorothy Simpson als Ausgangspunkt, geleitet von ihrem eigenen Interesse an von Schwarzen geführten Unternehmen, in deren Geschichte sich wechselseitige Abhängigkeiten, aber auch das Streben nach Selbstbestimmung widerspiegeln. 12. April – 16. Juni 2019.

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Gerard Byrne, Klara Lidén and Heidrun Holzfeind at SECESSION

Upon all the living and the dead gathers Gerard Byrne’s most recent works in the main hall of the SECESSION, activating a dialogue between the proto-cinematic moment of Jielemeguvvie guvvie sjisjnjeli (2016), the evasive temporality of In Our Time (2017), and A Visibility Matrix (2018), a new work co-authored with the artist Sven Anderson that borrows aggregation methodologies from early media art and cybernetics to picture current conditions of visibility. Across the works, underlying patterns and recurring interests become visible.

In her show Auf jeden Fall, Klara Lidén integrates videos of four new and recent performative actions into a sculptural display designed and made on site especially for the exhibition. It captures and reflects the prevailing climate of conformity and social indifference in present (western) politics and societies. With its make-shift inventory, however – plastic water canisters converted into lamps, tarped-off worn site fences that serve both as video screens and room dividers – the installation suggests alternative concepts for acknowledging and dealing with resources. Black mono prints in second-hand metal frames are spread throughout the gallery. Made with tools, materials and everyday objects used by the artist – strip lights, tarpaulin, orange net, a bicycle tyre – they take the same line, while interventions filmed in Berlin, New York and in Vienna demonstrate possibilities and potential of unexpected and unorthodox acting. The choice of materials clearly links the exhibition to an urban environment and its ever-present ongoing transformation.

For her exhibition the time is now. Heidrun Holzfeind has developed a new video installation composed of two films about the Japanese shamanic improvisation duo IRO. The couple Shizuko and Toshio Orimo have worked together since 1981. Their music, their activism in the peace and anti-nuclear movement, and their free-spirited way of life reflect an animist and pantheistic worldview that rejects commercialism in all its forms.

Gerard Byrnes Upon all the living and the dead versammelt Byrnes Werke der letzten Jahre im Hauptraum der SECESSION. Es entspinnt sich ein Dialog zwischen der proto-cineastischen Momentaufnahme von Jielemeguvvie guvvie sjisjnjeli (2016), der unklaren Zeitlichkeit von In Our Time (2017) und A Visibility Matrix (2018), einer gemeinsam mit dem Künstler Sven Anderson geschaffenen neuen Arbeit. Jede der drei Videoarbeiten in der Schau beschäftigt sich auf nicht-erzählerische Weise mit Zeit und verschränkt die Besonderheit des fotografisch dargestellten Gegenstands mit den allgemeinen Bedingungen seiner Reproduktion. Im Ausstellungsraum laufen die Werke im unerbittlichen Tempo lärmender Maschinen ab; ihre Spieldauer nimmt auf das Durchhaltevermögen der Zuschauer keine Rücksicht. Dagegen zeugt die fotografische Arbeit Beasts (2018) von künstlich erzeugter Unbeseeltheit; in jedem Bild ist das Verhältnis von Fotografie und lebloser Erstarrung in ein sorgfältig austariertes Gleichgewicht gebracht. Upon all the living and the dead rückt diese verschiedenen Werke in unmittelbare Nähe zueinander.

In ihrer Ausstellung Auf jeden Fall bettet Klara Lidén Videos von vier neuen performativen Aktionen in ein skulpturales Display ein, das sie eigens für die Ausstellung gestaltet und vor Ort produziert hat. Die Installation reflektiert das gegenwärtig vorherrschende Klima von Angepasstheit und sozialer Kälte in der (westlichen) Politik und Gesellschaft, bietet aber auch Ideen für einen alternativen und achtsamen Umgang mit den zur Verfügung stehenden Mitteln an. Das Inventar, wie die aus Kunststoffkanistern gebastelten Lampen und die gebrauchten, mit Planen verhängten Bauzäune, die zugleich als Videoscreen und Raumteiler fungieren, wirkt improvisiert und behelfsmäßig. Die schwarzen Unikatdrucke in gebrauchten Metallrahmen, die mit Hilfsmitteln wie Neonröhren, Planen, Bauzaunnetzen oder einem Fahrradreifen hergestellt wurden, weisen eine ähnliche Sprache auf.

Für ihre Ausstellung the time is now. hat Heidrun Holzfeind eine neue, zwei Filme umfassende Videoinstallation über das schamanische Improvisationsduo IRO entwickelt. Das japanische Experimentalmusikerpaar Toshio und Shizuko Orimo arbeitet seit 1981 zusammen. Ihre Musik, ihr Aktivismus in der Friedens- und Anti-Nuklearbewegung sowie ihr freigeistiger Lebensstil sind Ausdruck einer animistischen und pantheistischen Weltanschauung, die sich vehement jeglicher Kommerzialisierung widersetzt.

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Ed Ruscha, Philipp Timischl, Kris Lemsalu at SECESSION

Ed Ruscha's exhibition Double Americanisms at the main hall of the SECESSION showcases altogether fifty-seven mainly recent works—conceptual digital prints and an extended series of painted language pictures as well as handmade book objects and artist’s books in display cases. Artworks For All Age Groups, the exhibition PhilippTimischl has created for his show at the Secession, is an orchestrated installation of photographs, collages, and sculptures. Keys Open Doors: The Estonian artist Kris Lemsalu creates complex sculptures, installations, and performances that fuse the animal kingdom with humankind, nature with the artificial, beauty with repulsion, lightness with gravity, life with death. Nov.16th, 2018 – Jan. 20th, 2019.

In Ed Ruschas Ausstellung Double Americanisms im Hauptraum der SECESSION sind insgesamt 57 neueste Arbeiten – neben konzeptuellen Digitaldrucken und einer umfassenden Serie von gemalten Spruchbildern auch von Hand bearbeitete Buchobjekte und Künstlerbücher in Vitrinen. Philipp Timischls für die Secession geschaffene Ausstellung Artworks For All Age Groups umfasst Fotografien, Bildwerke und Skulpturen, die vom ihm installativ inszeniert werden. Keys Open Doors: Kris Lemsalu schafft in ihren vielschichtigen Skulpturen, Installationen und Performances Verschmelzungen von Tieren mit Menschen, Natürlichkeit mit Künstlichkeit, Schönheit mit Abstoßung, Leichtigkeit mit Schwerkraft, Leben mit Tod. 16.11.2018 – 20.01.2019.

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Anthea Hamilton, Anne Speier, James Richards & Leslie Thornton at SECESSION

Anthea Hamilton refers to her installation The New Life in the main hall of the SECESSION as a ‘performative space’. Her sculptures, idiosyncratic constructions precariously balanced between emergence and collapse, function like props for stories that remain to be told. In her exhibition in the Secession’s sublevel gallery, Anne Speier intertwines painting and sculpture in a kind of utopian architecture, short-circuiting its spatial premises with its metaphorical purport. The show examines the challenges that teachers and students at art schools face along images and installations that limn psycho-emotional topographies. James Richards and Leslie Thornton are showing their first collaborative project Crossing (2016) at the Secession. This video installation materializes an intense phase of exchange between the artists who belong to two distinct generations and contexts. 14.09. – 04.11.2018.

Anthea Hamilton bezeichnet ihre Installation The New Life im Hauptsaal der SECESSION als „performativen Raum“. Ihre Skulpturen, eigenwillige Gebilde an der Kippe von Entstehung und Zusammenbruch, fungieren darin wie Requisiten für Geschichten, die erst erzählt werden müssen. In ihrer Ausstellung im Untergeschoss der Secession verschränkt Anne Speier Malerei und Skulptur zu einer Form von utopischer Architektur, deren räumliche Bedingung mit ihrer metaphorischen Bedeutung kurzgeschlossen wird. James Richards und Leslie Thornton zeigen in der Secession ihr erstes gemeinsames Projekt, Crossing (2016). Die Videoinstallation materialisiert eine intensive Phase künstlerischer Kollaboration zwischen den KünstlerInnen, die zwei unterschiedlichen Generationen und Kontexten angehören. 14.09. – 04.11.2018.

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Other Mechanisms at the Secession

The Secession presents a groupshow " Other Mechanisms" curated by Anthony Huberman. The works in this exhibition reflect on what it could mean to contest the regime of the machine, to complicate existing systems with impossible tools and elaborate protocols that misalign output from their inputs.

Artists: Zarouhi Abdalian, Lutz Bacher, Nairy Baghramian, Eva Barto, Patricia L. Boyd, Nina Canell & Robin Watkins, Jay DeFeo, Trisha Donnelly, Harun Farocki, Howard Fried, Aaron Flint Jamison, Jacob Kassay, Garry Neill Kennedy, Friedrich Kiesler, Pope.L, Louise Lawler, Sam Lewitt, Park McAthur, Jean-Luc Moulene, Cameron Rowland, Sturtevant und Danh Vo.

Mit "Andere Mechanismen" zeigt die Secession eine von Anthony Huberman kuratierte Gruppenausstellung. Die Arbeiten in der Ausstellung regen andarüber nachzudenken, was es bedeuten könnte, der Herrschaft der Maschine die Stirn zu bieten. Wie kann man bestehende Systeme mit unmöglichen Werkzeugen und ausgeklügelten Regularien auf die Probe zu stellen und so das Verhältnis von Input und Output aushebeln.

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Rudolf Polanszky at SECESSION

In the main hall of the SECESSION Rudolf Polanszky presents "Eidola", a number of sculptural pieces and picture objects from various ensembles the artist has worked on in the last decade. Pictorial reliefs created by layering and assembling negative and positive sections of thin acrylic glass panes and mirror foil are mounted on the walls , set between them are loosely arranged groups of Prime Sculptures, Hypertransformation Sculptures, Confusion Sculptures, and Hyperbolic Spaces in a kind of imaginary agora. “My work is an attempt to reorder correlations to patterns of imagination, to change them, and to rearrange the structures of my thinking. […] In the play of perception and experience, it seems we are compelled to decode the external image we are offered in a rational manner, and we draw on mnemonic material, available patterns of similarity, which we mold until an apparently congruent model of reference ensues.
The convention on the interpretation of experience is organized and pre-formed, on the one hand, empirically via the senses and, on the other hand, by rational, deductive structures of the cognitive system. In my work, I aim to modify the basic material by distorting and exaggerating precisely these mental patterns of imagination […].” Feb 9th – April 22nd, 2018.

Rudolf Polanszkys "Eidola" im Hauptraum der SECESSION zeigt skulpturale Werke und Bildobjekte aus unterschiedlichen Werkgruppen der letzten Jahre, Bildreliefs aus Schichtungen und Zusammenfügungen von Negativ- und Positivausschnitten aus dünnen Plexiglasplatten und Folie und Primskulpturen, Hypertransforme Skulpturen, Konfusionsskulpturen und Hyperbolische Räume sind um eine imaginierte Agora arrangiert. Die Arbeiten bieten einen Einblick sowohl in die Gedankenwelt als auch in das davon inspirierte Oeuvre des Künstlers, das mit der Unbeständigkeit der Behauptung gegenüber der unumstößlichen Feststellung spielt: „Meine Arbeit ist ein Versuch, Entsprechungen von Vorstellungsmustern neu zu ordnen, zu verändern und meine Denkstrukturen umzuorganisieren. […] Im Spiel von Wahrnehmung und Erfahrung scheint man dazu angehalten, das angebotene Außenbild auf rationale Weise zu entschlüsseln und bedient sich am Erinnerungsmaterial, an den zur Verfügung stehenden Ähnlichkeitsmustern, die so weit modelliert werden, bis sich ein scheinbar kongruentes, d.h. deckungsähnliches Referenzmodell bildet. Die Konvention über die Interpretation von Erfahrung ist einerseits empirisch über die Sinne, auf der anderen Seite über rationale, deduktive Strukturen im Denksystem organisiert und präformiert. In meiner Arbeit versuche ich durch Verzerrung und Überdehnung eben jener mentalen Vorstellungsmuster eine Veränderung des Grundmaterials zu erzielen […].“ 09.02. – 22.04.2018.

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Alex Da Corte, Erika Beckman at SECESSION

With Slow Graffiti Alex Da Corte has created a immersive installation for the Vienna Secession. The artist turns the 6,500 square feet iconic gallery space into a kind of fractured cityscape full of dysfunctional objects. The video Slow Graffiti, Da Corte’s interpretation of Jørgen Leth’s The Perfect Human shows the artist masked as Boris Karloff and Frankenstein’s monster to a score by Devonté Hynes. With Game Mechanics Ericka Beckman presents the film installation You the Better (1983/2015) and her most recent film Tension Building (2016) as well as drawings. July 6th – Sep 3rd, 2017.

Mit der raumfassenden Installation Slow Graffiti hat Alex Da Corte eine neue, auf die Wiener Secession zugeschnittene Arbeit geschaffen und verwandelt 600 qm großen Ausstellungsraum in eine Art gebrochene Stadtlandschaft voll von dysfunktionalen Objekten. Mit dem Video Slow Graffiti zeigt Da Cortes sein Szene für Szene nachgestellter Remake von The Perfect Human von Jørgen Leth (DK, 1967) und den Künstler als Boris Karloffs Version von Frankensteins Monster maskiert zur Musik von Devonté Hynes. In Game Mechanics zeigt Beckman die Film-Installation You the Better (1983/2015), ihren jüngsten Film Tension Building (2016) sowie Zeichnungen. 06.07. – 03.09.2017.

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Svenja Deininger, Gabriel Sierra and Angelika Loderer at SECESSION

At the Main Hall the SECESSION presents new works by the young austrian artist Svenja Deininger (* 1974, Vienna) titled Echo of a Mirror Fragment. At the basement Gabriel Sierra (* 1975 Colombia) has installed The First Impressions of the Year 2018 (During the early days of the year 2017) and upstairs you can see sculptures by Angelika Loderer (* 1984, Feldbach, Styria). Feb 2nd – March 26th, 2017.

Im Hauptraum präsentiert die SECESSION mit Svenja Deininger (* 1974, Vienna) eine Vertreterin österreichischer Malerei der jüngeren Generation unter dem Titel Echo of a Mirror Fragment. Im Kellergeschoss hat Gabriel Sierra (* 1975 Columbien) The First Impressions of the Year 2018 (During the early days of the year 2017) installiert und im Obergeschoss sind Skulpturen von Angelika Loderer (* 1984, Feldbach, Stmk.) zu sehen. 2. Februar – 26. März 2017.

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Francis Alÿs and Avery Singer at SECESSION

At the main hall of the SECESSION Francis Alÿs shows Le temps du sommeil, a series of 111 small paintings created over the course of two decades. They depict miniature scenes and often look like snapshots of simple gestures and activities that, upon closer inspection, appear to be fairly absurd. The pictures illustrate all that he cannot speak of and the titles of the works are not intended as annotations to the images; they enter into a dialogue with them, shining a light on the complex interrelationship between visual and verbal communication. Le temps du sommeil is shown together with the films Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing) (1997) and Paradox of Praxis 5, Ciudad Juárez, México (Sometimes we dream as we live and we live as we dream) (2013), which trace an arc from his early oeuvre to his most recent video work. In the basement the SECESSION presents the work Avery Singer. In Sailor the artist displays a series of new pictures in large formats of projected surfaces, screens within the picture, and shadows that take on a life of their own or sprawl over the bodies and objects like nets. The resulting novel pictorial spaces are characterized by an irritating interplay between the illusionistic depth of the painted volumes, the various planes of which the pictures are composed, and the flatness of the meticulously finished surfaces. Singer employs a computer-controlled large-scale industrial airbrush printer, which not only allows her to generate details and surfaces that could not be manufactured by hand, it also lets her confront painting with its own history by dismantling the ostensible opposition between the digital world and painting.

Francis Alÿs zeigt in der Haupthalle der SECESSION "Le temps du sommeil", ein poetischen Streifzug in 111 kleinformatigen Gemälden. Die Tafeln zeigen miniaturhafte Szenen, die sich bei genauerem Hinsehen als ziemlich absurd herausstellen. Die Titel der Arbeiten sind nicht als Erläuterung zu den Bildern zu verstehen, sie treten vielmehr in einen Dialog und verweisen auf das komplizierte Verhältnis von visueller und verbaler Kommunikation – und das nicht ohne Humor. Im Grafischen Kabinett werden zwei seiner Filme Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing),1997 und Paradox of Praxis 5, Ciudad Juárez, México (Sometimes we dream as we live and we live as we dream), 2013 gezeigt. Im Kellergeschoß zeigt Avery Singer "Sailor " eine Reihe neuer großformatiger Bilder. Sie werden beherrscht von projizierten Oberflächen, Bildschirmen im Bild und Schattenwürfe, die sich verselbständigen oder wie Netze über den Körpern und Objekten liegen. Dadurch entstehen neuartige Bildräume, die gekennzeichnet sind durch eine irritierende Wechselwirkung zwischen der illusionistischen Räumlichkeit der dargestellten Körper, den verschiedenen Bildebenen sowie der Flachheit der perfekt produzierten Oberfläche der Gemälde. In einer für die Secession entstandenen neuen Werkgruppe setzt sie einen industriellen, computergesteuerten Airbrush-Drucker ein, der es ihr ermöglicht nicht nur Details und Oberflächen zu generieren, die sich von Hand nicht herstellen lassen, sondern auch die Malerei mit ihrer eigenen Geschichte zu konfrontieren, indem sie die scheinbare Opposition zwischen digitaler Welt und Malerei auflöst. 18.11.2016 – 22.01.2017.

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Thea Djordjadze and Yto Barrada at SECESSION

For her installation To be in an upright position on the feet (studio visit) at the main hall of the SECESSION, Thea Djordjadze has relocated her studio to Vienna. Literally everything that was not nailed down was dismantled, removed from shelves, stacked in moving cartons, sheathed in bubble wrap, piled up on palettes, loaded onto the truck. A radical decision, since it leaves her studio in Berlin completely empty, at least for the time being. All the things the artists needs for her work—or even more basically, in her everyday life—are temporarily out of reach. But does not such an evacuation, the creation of a tabula rasa, also embrace the possibility of a liberation, a new (or regained) freedom?
Yto Barrada’s exhibition The Sample Book presents a new body of work that builds on the artist’s recent major cycle Faux Guide and her study of fossils in Morocco. The Sample Book is a constellation of numerous works that function independently of each other while also being integral parts of a larger ensemble. The pieces are so heterogeneous that the connections between them are not readily apparent, but they are tied together by a system of subtle correspondences on the level of content. Their stories become more complex the more intricately the artist intertwines or interweaves the individual elements; more properly speaking, they tell multiple—true as well as fictional—stories. Sep 8th to Nov 1st, 2016.

Für ihre Installation To be in an upright position on the feet (studio visit) in der Haupthalle der SECESSION hat Thea Djordjadze ihr Atelier nach Wien übersiedelt. Buchstäblich alles, was nicht niet- und nagelfest ist, wurde abmontiert, aus Regalen geräumt, in Umzugskartons geschichtet, mit Luftpolsterfolie verpackt, auf Paletten gestapelt, in den LKW geladen. Eine radikale Entscheidung, denn ihr Studio in Berlin bleibt zumindest vorläufig komplett leer. Der Künstlerin sind all jene Dinge, die sie zum Arbeiten oder schlicht für den Alltag benötigt, temporär entzogen. Doch steckt in einer derartigen Entleerung, dem Schaffen einer tabula rasa, nicht auch das Potential einer Befreiung, einer (wieder gewonnenen) Freiheit?
In der Ausstellung The Sample Book zeigt Yto Barrada neue Arbeiten, die auf ihren letzten großen Werkzyklus Faux Guide aufbauen und ihre Auseinandersetzung mit Fossilienfunden in Marokko fortführen.The Sample Book besteht aus vielen einzelnen Werken, die an sich autonom funktionieren und doch größeren Zusammenhängen verpflichtet sind. Die durchaus heterogenen und auf den ersten Blick disparat erscheinenden Werke stehen inhaltlich über ein subtiles Referenzsystem miteinander in Beziehung. Sie erzählen Geschichten, die umso komplexer sind, je mehr die einzelnen Teile miteinander verknüpft oder verwoben werden – in Wahrheit erzählen sie eine Vielzahl von wahren und fiktiven Geschichten. 8. September – 1. November 2016.

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Oliver Laric and Gerald Domenig at SECESSION

The SECESSION’s main hall is transformed into a sculptural grand assembly by Oliver Laric’s exhibition Photoplastik. Most of the 3D-printed objects bear a close relationship to Vienna, where Laric took his 3D scanner to the Kunsthistorisches Museum, the Albertina, and the Institute of Classical Archaeology. "Awåragaude?" by Gerald Domenig present photography, drawing, and writing. While his drawings are intended as drafts or preliminary sketches for fotos the photographs – most of them black-and-white – are not just snapshots capturing moments but aim at more than a rendition of reality, they are always self-contained images of a situation, a place. April 22th to June 19th, 2016.

In der Ausstellung Photoplastik verwandelt Oliver Laric den Hauptraum der SECESSION in eine Skulpturenhalle. Die im 3D-Verfahren gedruckten Objekte stehen fast alle in enger Verbindung zu Wien, wo Laric mit dem 3D-Scanner Objekte im öffentlichen Raum sowie dem Kunsthistorischen Museum, der Albertina und dem Institut für Klassische Archäologie erfasste. Die Frage des Urheberrechts und der Gemeinfreiheit ist seit längerem ein zentrales Anliegen von Oliver Laric, der vor allem mit öffentlichen Sammlungen und Museen einen freien Zugang zu deren Sammlungsobjekten verhandelt. Zur Ausstellung erscheint ein von Oliver Laric gestaltetes Künstlerbuch. Die bevorzugten Medien des in Frankfurt am Main lebenden österreichischen Künstlers Gerald Domenig sind die Fotografie, die Zeichnung und das Schreiben (von Texten). Die Zeichnungen sieht er als Entwürfe oder Vor-Zeichnungen für seine Fotografien, während diese meist schwarzweißen Fotosn eben kein Festhalten eines Moments, nicht bloß ein Abbild der Realität sind. 22. April – 19. Juni 2016.

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Lutz Bacher and Dike Blair at SECESSION

More Than This (2016), US female artist Lutz Bacher’s installation in the SECESSION’s main hall, is composed of a loose arrangement of found objects: a bunch of large tube joints made of industrial plastic and covered with dust and dirt are scattered over the floor, while a fragmented frieze runs across the wall. The exhibition space and its visitors are immersed in the ambient sound of birdsong and the almost imperceptibly gradually changing light.
With Floors/Doors/Windows/Walls Dike Blair presents around fifty paintings. Most date from the years between 2010 and 2015, and with few exceptions, they depict the motifs listed in the prosaic title of his show. Three sculptures the American artist designed for the exhibition are arrangements of the titular four elements—floor, door, window, wall—but were also a response to the fact that his exhibition occupies four rooms. Feb 12th to April 3rd, 2016.

More Than This, die Installation der US-amerikanische Künstlerin Lutz Bacher im Hauptraum der SECESSION, besteht aus einer Ansammlung gefundener Objekte: Eine Anzahl großer, mit Staub und Dreck überzogener Rohrverbindungsstücke aus Industriekunststoff ist über den Boden verstreut, während sich ein Fries bruchstückhaft über die Wände zieht. Die BesucherInnen sind im Ausstellungsraum von Vogelgezwitscher umhüllt und in ein Licht getaucht, das sich beinahe unmerklich, aber stetig verändert.
Dike Blair zeigt mit Floors/Doors/Windows/Walls rund 50 Gouachen, die größtenteils zwischen 2010 und 2015 entstanden sind und die in der nüchternen Aufzählung des Titels erwähnten Motive darstellen. Drei Skulpturen greifen die vier titelgebenden Elemente Boden, Tür, Fenster, Wand auf. 12. Februar – 3. April 2016.

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